La cartelera del fin de semana incorpora dos propuestas alejadas de la oferta hollywoodense dominante: Zona Cero, una producción surcoreana de terror zombi dirigida por Yeon Sang-ho, y Gungo y los Juegos Cavernícolas, película mexicana de animación de Huevocartoon ambientada en una comunidad prehistórica. Aunque pertenecen a géneros y públicos distintos, ambas apuestas buscan distinguirse mediante universos reconocibles, una identidad de producción propia y relatos construidos alrededor de personajes sometidos a situaciones extremas.
El estreno de Zona Cero representa el regreso de Yeon Sang-ho al terreno de los muertos vivientes, un espacio narrativo con el que alcanzó proyección internacional gracias a Tren a Busan. En esta ocasión, el director sitúa la acción en un edificio de 33 pisos en el centro de Seúl, donde un brote de origen desconocido se expande con rapidez y obliga a imponer una cuarentena. La historia sigue a un grupo de personas que intenta abandonar el inmueble mientras la infección transforma el entorno en un escenario de encierro, vigilancia y supervivencia.
Un brote que transforma las reglas del género
La principal diferencia con los zombis tradicionales está en la evolución de los infectados. Al inicio del brote, las criaturas se desplazan en cuatro patas, pero posteriormente logran erguirse, identificar a los sobrevivientes y coordinar ataques. Esa progresión añade una amenaza cambiante a la historia: los personajes no sólo enfrentan un número creciente de agresores, sino enemigos que adquieren capacidades de organización y reconocimiento. El recurso permite que el suspenso no dependa exclusivamente de persecuciones o escenas de violencia, sino de la incertidumbre sobre el comportamiento de la infección.
Yeon Sang-ho ha planteado que los seres de la película no fueron concebidos únicamente como figuras fantásticas, sino como una representación de una inteligencia colectiva alterada en una época marcada por el intercambio acelerado de información. La pregunta sobre qué define a una persona atraviesa el planteamiento de la cinta. En ese sentido, la película se aproxima al terror como un vehículo para examinar la fragilidad de las conductas sociales durante una crisis, un rasgo que ha caracterizado parte del cine surcoreano de género en las últimas décadas.
La obra también mantiene vínculos con las producciones previas del realizador. En Tren a Busan, la amenaza se desplegaba dentro de un tren en movimiento, utilizando el espacio reducido como elemento de tensión. Peninsula, situada cuatro años después de los acontecimientos de aquella película, mostraba una capital surcoreana devastada. Zona Cero reduce de nuevo la escala geográfica al concentrar el relato en un edificio, pero incorpora una variante decisiva: la intervención humana en el virus, que persigue llevar a la humanidad hacia una nueva fase evolutiva.
La apuesta por escenarios físicos
La producción optó por construir sets destinados a recrear los espacios de un edificio de gran altura, una decisión que contrasta con la creciente dependencia de entornos digitales en el cine de acción y terror. El uso limitado de efectos generados por computadora busca dar mayor presencia física a pasillos, departamentos y zonas comunes, lugares que funcionan como parte activa de la amenaza. La elección tiene relevancia dramática porque el edificio no opera sólo como escenario: delimita rutas de escape, separa a los sobrevivientes y convierte cada nivel en una posible zona de riesgo.
La película marca además el regreso al cine de Jun Ji-hyun, actriz ampliamente conocida en Corea del Sur y reconocida internacionalmente por trabajos como Blood: The Last Vampire. Su participación suma visibilidad a una producción que ya llega respaldada por la trayectoria de Yeon Sang-ho. La recepción de la cinta en Cannes, donde provocó reacciones intensas entre el público, ha contribuido a posicionarla como una de las propuestas de terror asiático con mayor expectativa en la programación reciente.
Huevocartoon cambia de universo sin abandonar la comedia
En el otro extremo de la cartelera se encuentra Gungo y los Juegos Cavernícolas, con la que Huevocartoon se aparta temporalmente de los personajes de huevo que han definido buena parte de su identidad. Los hermanos Gabriel y Rodolfo Riva Palacio trasladan su humor a un universo prehistórico y centran la historia en Gungo, un joven cavernícola que carece de fuerza física y aparenta no destacar por sus habilidades intelectuales. Tras los conflictos de su padre, rey de la tribu, el protagonista es desterrado y debe encontrar una forma de recuperar su lugar.
La vía para lograrlo son unos juegos descritos como particularmente crueles, en los que los participantes enfrentan pruebas físicas y obstáculos violentos. Entre ellas figura el transporte de un huevo hasta la meta mientras se esquivan golpes, mordidas y ataques del equipo rival. La premisa utiliza la competencia como motor narrativo y conserva la inclinación de Huevocartoon por el humor físico, los juegos de palabras y la parodia de códigos heroicos. Al mismo tiempo, desplaza esos recursos hacia una aventura de superación personal dirigida a un público familiar.
La película cuenta con las voces de Joaquín Cosío, Silvia Navarro, Daniel Sosa, Karen Torres, Humberto Vélez y Mario Filio. Su propuesta visual combina animación en 3D y 2D, además de elementos de imagen generada por computadora. La mezcla técnica busca diferenciar la cinta dentro del mercado mexicano de animación, donde las producciones locales compiten con franquicias internacionales de mayor presupuesto y fuerte presencia publicitaria. El estreno previo en España, país coproductor, ofrece también una primera referencia de su circulación fuera de México.
Una cartelera que diversifica sus públicos
La coexistencia de ambos títulos ilustra una diversificación de la oferta cinematográfica: Zona Cero apunta a espectadores interesados en el terror de supervivencia y en la expansión del cine coreano, mientras Gungo y los Juegos Cavernícolas se dirige a familias y seguidores de la animación nacional. Ninguna de las dos películas depende de una fórmula estadounidense para construir su atractivo. Una recurre a la claustrofobia, la crítica social y la mutación del mito zombi; la otra apuesta por una comedia de aventura basada en la cultura popular mexicana.
Para las salas, estos estrenos ofrecen alternativas en una temporada en la que la diferenciación de géneros puede resultar decisiva. El terror conserva capacidad para convocar audiencias por su experiencia colectiva y su potencial de conversación, mientras la animación familiar busca reunir a públicos de distintas edades. La respuesta comercial dependerá de la distribución, los horarios disponibles y la competencia de otros lanzamientos, pero ambas producciones llegan con elementos claros para identificar a su espectador: el reconocimiento de sus creadores, universos definidos y estrategias narrativas que priorizan la personalidad local sobre la repetición de fórmulas.
