La Ciudad de México fue escenario, durante el sábado 22 y el domingo 23 de agosto, de una competencia difícil de clasificar con las categorías habituales del entretenimiento, el deporte o la protesta urbana. Cientos de jóvenes se reunieron en espacios emblemáticos para enfrentarse en las llamadas batallas de “farmear aura”, una dinámica basada en la postura, la mirada, la gesticulación y la capacidad de proyectar seguridad ante una audiencia.
El fenómeno puede parecer una ocurrencia pasajera nacida de las redes sociales, pero su aparición revela cambios más profundos en la manera en que los jóvenes construyen identidad, consumen espectáculos y convierten la atención pública en una forma de reconocimiento. La convocatoria asociada al creador de contenido Islas Vlogs trasladó una tendencia digital al espacio físico y convirtió lugares como Ciudad Universitaria, el Monumento a la Revolución y Bellas Artes en escenarios de una representación colectiva.
De la jerga gamer al espectáculo urbano
La expresión “farmear” proviene de los videojuegos. En ese contexto describe la repetición de acciones destinadas a acumular experiencia, recursos o ventajas. El verbo implica constancia y cálculo: el jugador realiza una actividad una y otra vez para mejorar su posición dentro del sistema. Al incorporarse al lenguaje de las plataformas digitales, la palabra dejó de referirse exclusivamente a una mecánica de juego y comenzó a aplicarse a la acumulación de visibilidad, seguidores y capital social.
“Farmear aura” es, en ese sentido, una metáfora sobre la fabricación de una presencia atractiva. El aura no es una cualidad medible como la velocidad o la fuerza; depende de la interpretación de los demás. Quien la posee parece dominar el espacio sin necesidad de explicarse, elevar la voz o recurrir a la confrontación física. La serenidad, el misterio, la ironía y la seguridad son presentados como recursos escénicos que pueden acumularse y perfeccionarse.
Las secuencias observadas en los videos difundidos en internet muestran esa lógica. Los participantes marcan el perfil de la mandíbula, realizan gestos asociados con el “mewing”, sostienen miradas prolongadas, caminan como en una pasarela y adoptan poses estáticas frente al público. Cada movimiento tiene un valor porque debe ser leído por los espectadores. La competencia no consiste únicamente en ejecutar un gesto, sino en hacerlo en el momento preciso y con la intensidad suficiente para producir una reacción.
La capital como escenario y amplificador
El paso de una tendencia virtual a una concentración presencial no fue accidental. La Ciudad de México ofrece una combinación excepcional de espacios reconocibles, movilidad masiva y públicos diversos. Ciudad Universitaria aporta una fuerte carga simbólica asociada con la vida estudiantil; el Monumento a la Revolución y Bellas Artes permiten una puesta en escena visualmente identificable y fácilmente compartible. Cada ubicación incrementa el valor de las imágenes porque convierte una acción privada o escolar en un acontecimiento reconocible para miles de usuarios.
La dinámica también aprovechó una estructura habitual de las redes: convocatoria, expectativa, registro y circulación inmediata de fragmentos. La audiencia que acudió a los puntos de reunión no solo presenció los duelos. En muchos casos funcionó como juez, coro y productora de contenido. Los círculos formados alrededor de los competidores establecieron una frontera temporal entre el participante y el público, mientras los gritos de aprobación o rechazo definían el resultado simbólico de cada presentación.
La presencia de la botarga de Duolingo añadió otra capa al fenómeno. La mascota de una plataforma de aprendizaje de idiomas, reconocible por su identidad visual y su uso intensivo de redes, pudo integrarse a una competencia basada en gestos y teatralidad sin necesidad de explicar demasiado su papel. El episodio muestra cómo las marcas pueden incorporarse a conversaciones nacidas fuera de los canales publicitarios tradicionales. La marca no aparece únicamente como patrocinadora: participa en la escena y se vuelve parte del chiste compartido.
También las vestimentas temáticas y las caracterizaciones cumplieron una función concreta. En un entorno donde cada asistente puede grabar y publicar, la apariencia facilita la identificación de los protagonistas y aumenta la probabilidad de que una imagen circule. La ropa deja de ser un simple accesorio y se transforma en una herramienta narrativa: ayuda a construir un personaje, diferencia al competidor y hace que el momento sea reconocible cuando se separa de su contexto original.
Una competencia sin golpes, pero no sin reglas
El atractivo de estas batallas está relacionado con la sustitución de la fuerza física por la presencia. Frente a los modelos tradicionales de enfrentamiento, donde predominan el contacto, la resistencia o la destreza técnica, aquí el riesgo corporal es menor y la victoria depende de una lectura social. Eso permite que personas sin entrenamiento deportivo formal puedan participar y que la audiencia entienda el espectáculo de inmediato.
Sin embargo, la ausencia de golpes no significa que no existan presiones. La competencia se apoya en la exposición pública y en la evaluación instantánea. Una mirada mal calculada, una pose considerada exagerada o una reacción del público pueden convertirse en material viral. El participante obtiene visibilidad, pero también queda sujeto a la burla, la crítica y la permanencia digital de una actuación que quizá fue improvisada.
La lógica de las plataformas intensifica esa tensión. Los algoritmos suelen favorecer imágenes breves, expresivas y fáciles de interpretar sin contexto. Una pose extraña o una reacción colectiva puede circular más que una explicación sobre el origen del evento. De esta manera, la dinámica premia la exageración y la legibilidad inmediata. Con el tiempo, los participantes podrían sentirse obligados a elevar cada vez más el nivel de teatralidad para conservar la atención, incluso cuando el formato original dependía de la ironía y la espontaneidad.
La economía de la atención entra en la plaza
El caso de las batallas de aura ayuda a entender cómo se reorganiza la economía de la atención. Antes, una convocatoria multitudinaria requería medios de comunicación, una institución o una organización con capacidad logística. Hoy, una figura digital puede reunir seguidores alrededor de una actividad cuya principal materia prima es la participación del público. El valor económico no se encuentra necesariamente en cobrar una entrada, sino en producir imágenes, aumentar el alcance y fortalecer una comunidad alrededor del creador.
Ese modelo puede beneficiar a organizadores, marcas y participantes. El creador obtiene una demostración de influencia; las empresas encuentran un espacio de asociación con una audiencia joven; los asistentes consiguen reconocimiento y la posibilidad de aparecer en cuentas con mayor alcance. La cadena funciona porque cada actor aporta algo: convocatoria, escenario, actuación o distribución digital.
Pero la misma estructura plantea interrogantes sobre la responsabilidad. Si una convocatoria reúne a cientos de personas en zonas de alta afluencia, la organización debe prever circulación, seguridad, límites de uso del espacio y posibles conflictos con otros usuarios. Las autoridades y los administradores de los lugares públicos enfrentan una situación nueva: no se trata necesariamente de un concierto ni de una manifestación, pero sí de una concentración con capacidad de alterar la movilidad y generar riesgos.
El posible legado de una tendencia efímera
Es probable que las batallas de aura cambien rápidamente de forma. Las modas digitales tienen ciclos cortos: una expresión se populariza, se repite hasta volverse reconocible y después es reemplazada por otra. Aun así, el formato puede dejar efectos duraderos. La experiencia demuestra que una práctica nacida de memes y videos puede organizarse como evento presencial, ocupar espacios simbólicos y atraer la colaboración de marcas.
Su evolución dependerá de si logra construir reglas más claras. Un torneo recurrente necesitaría definir criterios de evaluación, límites para la interacción con el público, mecanismos de protección para menores y protocolos de seguridad. También tendría que resolver una contradicción central: cuanto más formal se vuelve la competencia, más puede perder la espontaneidad que le dio atractivo; cuanto más improvisada permanece, mayores son los riesgos de desorden, humillación o uso no consentido de las imágenes.
En el plano social, el fenómeno ofrece una vía de participación de bajo umbral. No exige pertenecer a un equipo, dominar una disciplina ni disponer de recursos significativos. Basta con construir un personaje y atreverse a presentarlo. Esa accesibilidad puede favorecer nuevas formas de convivencia y creatividad urbana, especialmente entre jóvenes acostumbrados a alternar entre la identidad presencial y la digital.
Al mismo tiempo, conviene observar qué tipo de presencia termina siendo premiada. Si el reconocimiento depende únicamente de parecer imperturbable, atractivo o dominante, la actividad puede reproducir estándares restrictivos de apariencia y comportamiento. Si, en cambio, conserva una dimensión paródica y permite distintas formas de expresión, puede funcionar como una crítica lúdica a la obsesión contemporánea por proyectar una imagen perfecta.
La primera edición en la capital no convirtió las poses en un deporte convencional, pero sí mostró que la atención puede organizarse como espectáculo y que los códigos de internet ya no permanecen confinados a las pantallas. Al trasladarse a plazas, explanadas y monumentos, el “aura” dejó de ser solo una impresión individual: se volvió una actuación pública, evaluada por una multitud y amplificada por una infraestructura digital capaz de transformar un gesto de segundos en un fenómeno nacional.
